《童年情景》之梦幻曲 钢琴曲，完成于1838年，是舒曼所作十三首《童年情景》中的第七首。《童年情景》是作者于1838年创作的一组音乐小品的总题目，是钢琴艺术史上的一部极为独特的作品。虽然按内容来说是描写儿童生活的，但这部作品不只是为儿童所写，也是为成人所作，表现成年人对童年时光的回忆。作品手法洗炼，形象刻画生动准确，心理描写逼真，欢快动人，饶有**，但也流露出一种因为童年逝去而产生的惆怅感。 这其中的第七首《梦幻曲》是全世界妇孺皆知的名曲，经常被改编成各种乐器的独奏曲。这首曲子主题非常简洁，具有动人的抒情风格和芬芳的幻想色彩，旋律线几经跌宕起伏，婉转流连，使人不觉中被引入轻盈飘渺的梦幻世界。
罗伯特·舒曼
（Robert Schumann,1810－1856）
德国著名的音乐家，自幼显露出音乐、诗歌、戏剧等多方面的才华。先学法律，但仍孜孜不倦地学音乐，以至成为当地首屈一指的钢琴家。1830正式开始了音乐家的生涯。由于急于求成，把手指练坏，转而从事音乐创作和评论。他是浪漫主义音乐成熟时期的代表之一，生性热情敏感，并且有民主主义思想。1834年创办《新音乐杂志》，对改变当时陈腐的音乐空气，促进浪漫艺术的发展，起到重要的作用。
他关心和支持尚未为人所知 的音乐家，如：肖邦、柏辽兹、李斯特、勃拉姆斯、瓦格纳等。1838年由于维也纳反动当局 发现了他介绍舒怕特的《C大调交响曲》，迫使他无法工作，他遂于1839年回莱比锡， 1840年与当时有名的钢琴家克拉拉结婚。1843年他在莱比锡音乐学院任教，1856年因患 精神病逝世。
舒曼的代表作有：钢琴曲《蝴蝶》、《狂欢节》、《交响练习曲》、《幻想曲集》等，这 些乐曲促进了浪漫主义音乐风格的发展。1840年写了138首歌曲，被称为“歌曲文萃”， 还写了四部交响曲，及《a小调钢琴协秦曲》、《曼弗雷德序曲》等。
浪漫乐派到了罗勃·舒曼手中臻至开花结果。舒曼本人反应了浪漫乐派的种种特质,他善于幻想、内省,在精神上与当时的文学活动相契合。他是革新者、批评家、为新鲜事物摇旗呐喊的运动家,也是做曲圣手。他早期的音乐几乎摒弃所有旧体制, 后期则重拾传统中的交响曲及四重奏。他是坚决反对古典乐派的先驱, 即令他是出众的理论专家,且音乐知识也决不下于当时任何音乐家,但是先前存在的形式对他而言是毫无意义的。他明告世人：所谓形式并不是为了服务学院派的人物而存在,而是为驰骋湍流的创作之心而生; 纯然的乐念即能塑造自己独一无二的形式。体制虽小, 但是结构紧密完整,又能捕捉并尽情发挥思想的形式, 就是它本身的美学评价。音乐的气氛、色调、暗示、联想--这些在舒曼心中,比起创制丝毫不爽的赋格、回旋曲或奏鸣曲等更重要。无论他的音乐如何变化,总是不脱诡鹬善变的气质、万花筒般的结构与情绪、纯挚的性格反映, 以及强烈的主观意识。虽然身兼乐评家的舒曼很能理解其他作曲家的观念,并对公众解释说明, 但能理解他的作品的人却不多见。他所欲传递的信息早已逾越了传统的界限, 而且太个人化了。他也深明此点; 但其创作除了追随天赋倾向外,其他都写不出来。无论如何,他还是一位伟大的旋律家,能轻易写出美妙而又通俗的音乐,取悦世人的念头始终未曾出现在这位理想家的脑海里。
古堡，穆索尔斯基（Modest Musorgski）
《图画展览会》[转自千龙网]
莫杰斯特·彼得罗维奇·穆索尔斯基（1839-1881）
(莫里斯·拉威尔配器）
拉威尔改编的管弦乐版《图画展览会》是作曲家1922年受当时的波士顿交响乐团指挥库塞维茨基的委托而作的，1923年5月3日首演，一举成功。
《图画展览会》的原作者穆索尔斯基是俄罗斯建筑师兼画家韦克托·哈特曼的至交，哈特曼于1873年去世后不久，同为哈特曼好友的伟大的俄罗斯评论家弗拉季米尔·斯塔索夫在彼得堡艺术学院举办了一次哈特曼的水彩和素描画展，穆索尔斯基应邀参观了这次画展。被哈特曼作品深深感动的穆索尔斯基，决定从画展展品中选出他最感亲切的肖像画、风俗画以及与民间创作相关的几幅绘画作品为题材写一首钢琴组曲，以纪念他故去的好友哈特曼。穆索尔斯基在他这部作品中倾注了他的全部哀思和热情，写作时乐思泉水般涌出，作品几乎是一挥而就。穆索尔斯基的钢琴组曲《图画展览会》直到作曲家去世以后才得以发表，题献给斯塔索夫。
《图画展览会》的管弦乐改编版乐谱至少有五种，其中以法国作曲家拉威尔配器的这一种最为出色和广为流传。
《图画展览会》共包括14段乐曲，而整个作品则用一个“漫步”主题贯串和统一起来。 “漫步”第一次出现时像是组曲的引子，而后来它每次在段落间穿插重现时，却总是在变换着新的面貌，或陪衬、或对置，直到最后完全渗入到乐曲的音流之中。
《漫步》 I ：俄罗斯风格的适度的快板。斯塔索夫曾为这一段作出解释：“这里，作曲家描写自己信步东走走西望望，一会儿闲荡，一会儿走近一幅画；快活的面孔时而因缅怀亡友的哀思而沮丧。”
《侏儒》I. ：斯塔索夫在乐曲第一版乐谱的引言中告诉我们，哈特曼画的是“一个小侏儒迈着畸形的双腿笨拙地走路。”穆索尔斯基使这个畸形的小东西具有复杂的内心世界，他那艰难、笨拙的步态和内心的孤独和绝望，在音乐中都有明确的体现。乐曲开始时，像突然发作似地急剧跳跃和长时间的停顿相交替，很容易使人想到这个怪物的蹦跳和拖曳不前的痛苦、颦蹙之态。
《漫步》II ：悠闲的中板，雅致的。最初的“漫步”主题在这里以变奏的形式展示，表现穆索尔斯基在哈特曼画展中信步。
II. 《古堡》：“漫步”主题把听众带入另一幅明朗而富于诗意的抒情画面，作曲家写在原稿上的标题没有用俄语而使用意大利文，暗示着古堡的地点，在这个中世纪的古堡前，一位游吟诗人在黑夜中吟唱出纯朴、动人而感伤的歌曲。
《漫步》III ：不过分的中板。再次变奏的“漫步”主题。
III. 《丢伊勒里宫——孩子们游戏后的争吵》：不太快的快板，随想曲。当前面 “漫步”主题的陈述逐渐减弱和放慢时，音乐把我们带到了巴黎的一所旧王宫——丢伊勒里宫。哈特曼所描绘的是一群欢乐的法国儿童，穆索尔斯基用音乐表现出他们的吵闹、生机勃勃的活动以及离奇的“啜泣”，乐曲开始即传出了孩子们的调皮、任性和固执的喊叫，轻巧而逼真的心理描写也很细致。整个乐曲以木管乐器的音色占优势，只是一度让位于小提琴。
IV. 《牛车》：一直很有节制，沉重的。原标题用的是波兰文。表现的画面是在波兰的农村，两头公牛拖着一辆装有大木轮的笨重而简陋的农家大货车蹒跚而过。乐队中低声部以缓慢而沉重的和弦式进行表现出沉重的牛车不胜重负、艰难行进的景象。在这背景下，大号奏出驾车人之歌，悲戚的音调表达了农民对他们苦难生活和艰苦劳作的悲哀感受。
《漫步》IV：平静的。“漫步”主题以全新的形态第四次出现，采用全然不同的D小调，轻声地在木管乐器的高音区出现，临结束前还显现了下一段乐曲的主题动机，为下一幅颇具效果的图画做好准备。
V. 《雏鸡在蛋壳里的芭蕾舞》：诙谐的，轻快活泼的。穆索尔斯基的的音乐使这些幻想性的雏鸡活了起来，可以听到它们啾啾、跳跃、啄自己的外壳，它们还好像在用小脚尖跳着芭蕾舞。
VI. 《萨缪尔·格尔登柏格和施缪伊尔》（《两个犹太人、一穷一富》）：作曲家创作这一乐章的灵感来自哈特曼纪念画展上的两幅肖像画，它们也是哈特曼生前赠给穆索尔斯基的礼物。两幅肖像画的主人公萨缪尔·格尔登柏格和施缪伊尔都是哈特曼旅行写生时的模特儿。这两个犹太人，一个富有、肥胖、自满而乐观；另一个贫穷、赢弱、消瘦、诉怨、哭丧着脸；他们本是互不相干的两个人物，但穆索尔斯基却把他们在乐曲中聚在一起，相互交谈，相互对照。两个人物各有其鲜明的性格特点，对他们深刻的心理刻画具有典型的社会意义。代表两个人的主题都有犹太歌曲的一些特点，它们在各自的陈述之后便交织在一起，富人的主题终于占据优势，最后穷人的主题动机屡次被粗暴地打断，并抛弃在一旁。
VII. 《利莫日集市》：充满生机的诙谐的快板。这是法国南部阳光明媚的利莫日的一个集市写照，家庭主妇与小商贩讨价还价，闲聊、喧哗、争吵和喊叫混在一起。
VIII. 《罗马墓窖》：广板；《用冥界的语言与死者对话》：悲哀的不太慢的行板。
在哈特曼的水彩画上画的是他本人同一位建筑家在暗淡的灯光下参观地下陵墓的景象，这墓穴是殉教的神父安葬之地，据说也是举行早期基督教神秘仪式的场所，幽暗的石头门和阴森的气氛给穆索尔斯基留下深刻印象，更使他痛感到失去至交的悲痛。作曲家把这段乐曲划分为各自独立但又相衔接的两小段，第一段主题要用深沉的低音和威严的和弦来表达，其力度色调频繁而急剧变化，有时宏伟响亮，有时咄咄逼人；后一段的标题《用冥界的语言与死者对话》，在这死寂和茫然的气氛中竟然出现了“漫步”主题，不过现在它几乎已经变得不可辨认，小调的调性，古老的调式和深奥的复调，使它酷似一支在不同乐器组上呼应着的严肃而神圣的悼歌。
IX. 《鸡脚上的茅屋》有活力的快板，粗暴的。哈特曼设计过一只钟的图案，那是用鸡脚撑起的茅屋，屋子的一面窗户便是钟的盘面。但穆索尔斯基感兴趣的是茅屋的女主人，俄罗斯童话中的女巫。作者在乐曲中着重描绘了女巫骑着扫帚在树林子里飞行的景象：女巫的主题由圆号和三只小号奏出，表现她横冲直撞的场景，女巫飞行发出的呼啸声和折断树枝的噼啪声混在一起，极富效果。
X. 《基辅大门》：快板，庄严的，雄伟的。这是哈特曼的一幅设计图，为基辅修建雄伟的城门而作，古俄罗斯风格，有很多民族色彩的装饰，城门同教堂毗连。穆索尔斯基的这首乐曲很好地表达出画面的基本内容，它包含三个互为对比的形象，第一个是庄严的颂歌，它像巨人一样宏伟有气魄，管乐的合奏强调出它所特有的这一气质。辉煌的“城门主题”是这个乐章的核心，同时也为整部作品做出总结。至于第二主题，则是全新的景象，好像一群僧侣或教徒站在城门前面，虔诚、刻板、毫无表情，这形象同赫罗斯教会的禁欲主义精神相联系，单簧管和大管的重奏很好地表达出他们的这种神情。随后，传出响亮的钟声，这时出现第三个形象——基辅古城全民欢腾。“漫步”主题又在乐队中出现，它格外昂扬、庄严。在尾声中，城门的主题越来越辉煌，整部作品在气势磅礴的乐声中结束。
[转自此处]
音符与画布的交融——莫索尔斯基的《图画展览会》
悼念亡友的真情画页莫索尔斯基的《图画展览会》 
1881年的3月2日至5日，也就是穆索尔斯基生命结束前的20多天，他在列宁格勘郊外的尼可拉也夫斯基军医院（Nikolaensky Military Hospital）中，由画家好友列宾（Ilya Repin）为他画下一幅炯炯有神的最后遗像。然而他那蓬乱的须发，和身上那件居依（Cesar Cui）送他的破睡衣，却明显地揭示出他晚年的落魄与孤寂的悲凉处境。
提到俄国大作曲家莫索尔斯基这个人，大家总把他和终日酗酒、***等堕落的生活联想在一起。柴可夫斯基倒是说了几句公允的评论：
“穆索尔斯基比五人团其他成员有更高的天份。但他总是眼光短浅，他盲目地相信自己的才能，更迷信五人团的荒谬言论，他作品的特质便植基于此。他只欣赏粗糙、横暴，而非精致、细腻。但当他天才迸发的时候，却绝非没有原创性。”天才横溢的柴可夫斯基，即使对固守俄罗斯本土发展路线的五人团并不苟同，但却不得不用“绝非没有”这样的双重否定句，来肯定穆索尔斯基的“原创性”。
德国的音乐学者理斯曼（Oskar von Riesman），曾写过一本长达400多页的《莫索尔斯基传记》，末尾还登录了他的93件作品，其中大部分作品由于被那些尖刻的评论家讥为创作技巧拙劣，内容粗糙，结构松懈，至今已很少演出。然而钢琴组曲《图画展览会》，却以丰富的内容、生动的性格描写和匠心独具的构思而独树一帜，它在世界乐坛受欢迎的程度，绝不亚于其他任何一部俄罗斯的作品。
而且大多数的演奏家都认为，《图画展览会》如果能改编为大型的管弦乐来演奏，较原来的钢琴独奏更能表现出原曲的粗犷与宏伟的戏剧性效果。于是像亨利 ·伍德（Sir Henry Wood）、斯托柯夫斯基（Leopold Stokowski）、瓦尔特·哥尔（Walter Goehr）、盖利叶（Lueien Caillet）等人都作过改编《图画展览会》的尝试。但谁也没能像拉威尔一样独领风骚数十年，现在市面上所流通的《图画展览会》演奏版本，几乎都以拉威尔的改编为“正统”，或许大家会好奇，莫索尔斯基这首构思独特的作品，究竟是从何种创作理念和背景产生?那个性强烈的主题背后潜藏着什么意义?而拉威尔所改编的管弦乐谱又为何能举世无匹?这将是本文要深入探索的三个主题。
# 幼时经验背景
莫索尔斯基全名“Modest Petrovitch Mussorgsky”，父母亲都是富有的大地主，受过良好教养的母亲也是他的钢琴启蒙老师。过去的传记是根据莫索尔斯基自己的记忆，以为他的生日是 1839年3月28日。直到1911年，堤欧雪夫（B．Tiutchef）才在《德国音乐公报》中，赫然发现这样的记载：“莫索尔斯基生于3月9日，3月 13日受洗。”俄历的3月9日，相当于公历的3月21日，因此21日才是他的正确出生日期。
莫索尔斯基出生在俄国皮可夫省的科列弗村（Village of Karevo in Pskov Province），他的快乐童年也在此度过，这个村位于一片平原和森林之中，西南边有Valdai高原和基基索湖（Lake Jijitso）。广大的森林环绕着风景如画的山丘．还有许多珍禽异兽活动其间，丰富的乡间自然景物，创造了一个刺激想象的美好环境。
根据《莫索尔斯基自传》的记载，他幼时印象最深刻的记忆，莫过于听童话故事。他最喜欢坐在钢琴旁边，倾听褓姆的即兴演奏和童话故事，于是那身躯短小的“基诺姆地神”（Gnomus），或是行动如风的女巫巴巴叶卡（Baba—Yaga）都伴着他幼小的童心成长。在《图画展览会》中，第一幅“侏儒”和第九幅“小屋”的主角，正是那童话故事中的人物。这两段活生生的音乐描写，是如此的绘声绘影，令人感觉那是穆索尔斯基从幼年有记忆开始，便蕴积心中的童稚想象力的真实再现。
# 现实人生的创作理念
1863—1866年间，穆索尔斯基在俄国思想家车尔尼雪夫斯基（Chernishevsky 1828一1889）所写的小说《怎么办》一书的影响下，和一群朋友过公社式的生活；他们不但生活在一起，而且热烈讨论社会、政治、艺术、文学各种广泛的问题，并由人民真实生活的行动和感觉中，去创作艺术。似乎是在努力实践车尔尼雪夫斯基“艺术即生活”的现实主义美学理念。因此，穆索尔斯基认为：“艺术是与人民对话的工具，他本身绝非目的。”
基于此种“对话工具”的艺术观，穆索尔斯基首先确定音乐语言的最基本要素的“音调”或“腔调”（Intonation），而非西方古典乐派所谓的 “形式”。最真实的音乐腔调，应该是人们在现实生活中所使用的腔调，因此音乐创作的目的；便在以音符重塑人类自然语言的腔调，以传达思想感情。
在莫索尔斯基近百件的音乐作品之中，歌曲、歌剧和有标题的器乐曲占了绝大部分，而其中没有一首古典形式的交响曲和协奏曲，正可说明他不重乐曲形式，只重真实生活内容的创作理念。
莫索尔斯基除了强调音乐腔调的重要性，也同时重视音乐中的人性内涵。他很欣赏俄国著名雕刻家安托可斯基（Antokovsky）的作品，他说： “安托可斯基雕的人总是活生生的，所以才对旁观者有一种亲近的吸引力，当代音乐的成就如果与这些艺术相比，实在太缺乏活生感与意义了!”他又说：“人类是一种不折不扣的社会动物，因此在复杂的人生中，总潜藏着一种一般人无法注意到的特质，而艺术的功能便是要去发掘并实践这种特质。”
当我们在《图画展览会》中，见到侏儒的丑怪动作，听见古堡游吟诗人的埂古之歌，见到御花园中儿童的嬉戏，牛车主人的苦难悲歌，两个犹太人的人性对比，甚至市场中妇女的讨价还价，似乎都在深刻地挖掘人中鲜为人知的某些“特质”。而且不同人物的语言“腔调”，也随着乐曲的进行而展现无遗。透过莫索尔斯基的音乐理念，’我们不但见到他音乐原创性的根源，更发现《图画展览会》创作的奥秘。
# 哈特曼之丧
莫索尔斯基13岁进入陆军学校就读，17岁毕业奉派至陆军服务，因而结识了鲍罗定和顾宜，并透过他们两人的介绍，1857年正式成为巴拉基列夫的学生，而立志作一名作曲家。在巴拉基列夫的领导之下，俄国“五人团”成立。“五人团”的成员虽然都是业余的作曲家，但他们以发展俄罗斯本土音乐为志向，这个崇高伟大的目标，当时确实感动了许多有理想的艺术家。其中艺术史兼乐评家斯塔索夫（Vladimir Stassov）便是“五人团”强烈的支持者。此外，雕刻家安托可斯基，画家列宾和建筑师哈特曼（Vivtor Hartmann）都是属于斯塔索夫家族的艺术家，他们与“五人图”有着共同的艺术观点，故都结成一气，共同为建立俄国本土艺术而努力。
莫索尔斯基便在此种机缘之下，1868年认识了哈特曼，并成了志同道合的好朋友。1870年哈特曼的作品在圣彼得堡全国画展中展出，穆索尔斯基还特别作了一首《在角落中》（In the Corner）的歌曲为庆贺，后来这首歌曲被收录到著名的《婴儿》（Nursery）歌集中。
1873年7月23日，哈特曼竟以39岁的年龄英年早逝，令莫索尔斯基感到十分悲恸。同年8月2日，他写信给正旅游在外的斯塔索夫。
“我亲爱的朋友：这是多么骇人的噩耗!为什么像狗、马、老鼠那样轻贱的畜生都能活蹦乱跳，为什么像哈特曼那样的天才，却死神不饶!当威堤舒卡（Vitiuschka，哈特曼的小名）生前与我在圣彼得堡一同散步回家，路经面对圣安妮教堂的街角，可怜的他竟然脸色苍白，身躯软弱地靠在墙边。我关心地问他：‘究竟怎么回事呀!’他回答：‘我难过得简直不能呼吸了!’我知道艺术家总有点神经紧张的倾向，于是只好安慰他：‘老小子!等你舒服一点儿，我们再走吧!’然而事后不久，当我知道医生已签署了他的死亡证明书之后，我才突然发现，我是多么的愚昧和迟钝呀……”莫索尔斯基在这封措词激动的信函中，反复以自责的口吻悔恨自己的疏忽，似乎在遗憾哈特曼的延误就医，自己必须对哈特曼的死亡，担负无法逃避的道义责任。
不久斯塔索夫兼程返国，1874年2月并决定在圣彼得堡举行哈特曼的纪念画展，展出内容包括哈特曼一生的代表性作品400幅。其中有建筑设计、舞台设计、工艺设计，以及他游历法国、意大利、德国和波兰所留下来的水彩画和素描。这些作品的展出，十足地表现出俄罗斯的现实主义美学观，使得穆索尔斯基十分感动。到了6月中旬，他再度写信给斯塔索夫说：“哈特曼的纪念画展，就像我读到波利斯（Boris，莫索尔斯基歌剧中的主角）一样，简直是内心沸腾。创作的观念、灵感、旋律如潮涌来。这些绘画中的生动内涵，就像烤鸽子一样鲜美，使我迫不及待地狼吞虎咽，想一下子尝尽这些绘画的美味。创作灵感的丰富，让我几乎来不及将它写在五线谱上。”
1874年6月22日，莫索尔斯基以哈特曼纪念书画展中的10幅画为素材，以有如神助般的闪电速度，完成了《图画展览会》钢琴组曲这部不朽杰作。
# 拉威尔的编曲
莫索尔斯基完成了《图画展览会》的钢琴谱后，他沉迷于酒精的老毛病日益严重，导致1881年酒精中毒辞世，享年42岁。而那首匠心独具的旷世之作，竟没有机会在他生前初演。直到1886年，斯塔索夫为《图画展览会》撰写解说，并由他的好友合资将手稿付梓出版，它的威名才开始远播。然而，真正让全世界的爱乐者发现这首作品价值的，却是法国作曲家拉威尔。
拉威尔对穆索尔斯基的作品发生兴趣，进而将他的钢琴作品改编为管弦乐曲，其实是有相当机缘的。1908年，俄国最著名的芭蕾舞编剧狄亚基列夫（Serge Diaghilev）在巴黎演出了全本的莫索尔斯基名剧《鲍利斯·戈多诺夫》（Boris Godunov），使得西欧乐坛注意到穆索尔斯基作品的威力。当时拉威尔也参与了这次盛会，事后并极力称许这部歌剧具有“野性的高贵和大胆的单纯” （barbaric grandeur and bold simplicity）。
1913年在狄亚基列夫的委托之下，斯特拉文斯基和拉威尔共同合作，从莫索尔斯基未完成的歌剧作品《霍凡兴那》（Khovanshchina）中，精选出部分的场景音乐重编芭蕾舞曲。这次经验使拉威尔对莫索尔斯基的作品有更清楚的认识，也奠定了他改编《图画展览会》成功的契机。
1922年波士顿交响乐团的指挥库塞维兹基（Serge Koussevitzky），商请拉威尔为《图画展览会》编管弦乐曲。当时拉威尔在蒙特佛（Montfort）所购置的新居，竟出现一种会伤人的油虫（cafard colossal）。拉威尔不得已，只好逃避到他朋友曼纽尔（Roland Manuel）的母亲家中，始料不及的是，在新环境中工作异常顺利，在同年9月完成了编写的计划，10月19日库塞维兹基亲自指挥，在巴黎歌剧院演出这首改编的作品。斯特拉文斯基对这次演出赞誉有加，他说：“从没有人改编别人的作品，像拉威尔那样深具说服力，尤其他切合题旨的管弦乐法，完全就象莫索尔斯基的原创才华一样。”由今天拉威尔编曲举世无匹的地位来看，斯特拉文斯基这番话绝非溢美之辞。
- c小调 夜曲 作品48
- 05:54
- 播客：老猫猫
c小调 夜曲 作品48
肖邦用来创作和演奏的钢琴。摄于肖邦故居~
很多在下面回帖的朋友都在猜测，钢琴后边的墙上挂的镜框里画的是一个鸡蛋还是一个降落伞，哈哈:P 嗯嗯，主要看钢琴。
肖邦的21首夜曲（全） 全部资料转载自百度肖邦吧 （资料还真是全哩^-^）
肖邦39年短短的生命，是由无数晶莹耀眼的钢琴珠玉小品所镶缀起来的。他生在19世纪前半叶浪漫思想风起云涌的时代，他的作品充满了浪漫的色彩，音乐史一般都将他列入浪漫乐派之列。
人们只要一提到肖邦夜曲，就会很自然地使人想到爱尔兰人费尔德（John Field,1782-1837）。因为费尔德才是夜曲的始创者，是费尔德率先将“夜曲”作为钢琴作品的一种创作方式。他在1813年至1835间创作了18首供钢琴演奏用的夜曲，其特征是低音部以波动的伴奏音形，衬托出右手所弹奏甜美的主题旋律。1814年，费尔德的三首夜曲在莱比锡出版，成为肖邦创作夜曲的源头。虽然在史料记载上，肖邦在1833年之前并未亲遇费尔德，但早在1818年肖邦便开始在华沙演奏费尔德的作品。而到达巴黎之后，肖邦更经常用费尔德的夜曲作为音乐会曲目或教授学生钢琴的教材。
肖邦本人在先天上是特别适合演奏夜曲的。在性格上，他不媚低俗的优雅格调和高贵情操，使夜曲在甜美旋律中，能自然表现内在的深刻情感。在体型上，肖邦体弱多病，并不适合演奏高响度的宏伟作品，但其细腻的情感和珠玉般的音乐变化，却成了夜曲的迷人气质。然而，当他的Op.09的三首夜曲初次出版时，却遭到德国著名乐评家列尔斯塔的无情痛击，称肖邦的作品比之费尔德的夜曲有欠自然，加入了过多的“香料和胡椒”。时至今日，我们除了在音乐史资料中见到费尔德的乐谱外，他的作品几乎极少在音乐会上出现，而肖邦夜曲的优美旋律却穿过近两个世纪的巨变时代，还在今天的夜空中闪耀，也许正是肖邦夜曲中的这些“香料和胡椒”才真正满足了现代人的胃口吧？！
尽管有学者在介绍肖邦的夜曲时，会连《摇篮曲》（Berceuse）和《船歌》(Barcarolle)一并介绍。但我们现在所称的２１首夜曲却并不包含这两首乐曲。这21首夜曲，创作时间分别在1827年至1846年间，也就是肖邦创作的黄金时代。其中有三首是肖邦过世后才出版的。如Op.19《e小调夜曲》，是肖邦的好友冯坦那（Julian Fontana）在家中发现，后经肖邦家人同意而出版。而Op.21《c小调夜曲》原来打算编成Op.32-3出版，后又临时取消。这两首作品是受到较多怀疑的作品，所以鲁宾斯坦和富朗索瓦的夜曲全集都没有收录这两首夜曲。
肖邦一生的创作，都不喜欢用文学性的标题来注释他的作品，所以像《雨滴前奏曲》、《革命练习曲》、《小犬圆舞曲》这些名称，都是出版商后来附加上去的。像作于1833年的Op.06《g小调夜曲》，是肖邦读过莎士比亚的剧本《哈姆雷特》后，将内心的彷徨苦闷和忧心忡忡写成这首悲剧性的夜曲，他原来打算给这首夜曲加上“悲剧哈姆雷特观后感”的字句，后却不愿文学性的标题破坏了音乐的神秘感和想象力而取消了。至于像《叙事曲》这种原本有文学性内容的作品，他也不加任何解说，而希望演奏者和欣赏者以纯音乐的方式来欣赏。所以，要想了解肖邦夜曲的创作背景就特别困难。好在他的这２１首夜曲，有一半以上是题献给至亲好友，我们可以顺着这个线索找到一些创作时的蛛丝马迹。
作品Op.9的三首夜曲，是肖邦1831年09月到巴黎之前就已创作完成的作品。他在沙龙和朋友聚会时，经常喜欢演奏其中的第二号《降Ｅ大调夜曲》，而这首夜曲也成为现今最通俗、最受欢迎的作品之一。肖邦初到巴黎时，是使用一台伊拉德钢琴（an Erard piano），这种钢琴的键盘较笨重，要弹奏弹性速度的乐曲常无法得心应手，于是肖邦的好友波列意（Camille Pleyel，1788-1855）慷慨解囊，赠送肖邦一台触键灵活的钢琴。这台钢琴伴随肖邦直至1879年辞世。肖邦为了感念他们一家的友谊，将他的第一号《降b小调夜曲》题献给波列意夫人。
作品Op.15的三首夜曲，是题献给肖邦的另一位好友希勒（Friedrich Hiller ，1811-1855）的。希勒是身兼钢琴家、指挥家和作曲家的全能音乐家。当肖邦初到巴黎时，曾拜师卡克布兰纳（Friedrich Kalkbrenner，1788-1849）学习钢琴。希勒慧眼看出肖邦的钢琴技巧早已超过卡克布兰纳，所以经常鼓励他，有时候也捉弄“老卡”一番，以杀杀他的锐气。所以肖邦虽初到人生地不熟的巴黎，但是浓厚的艺术气氛和人情味，却是暂时抚慰他乡愁的唯一凭藉。
尽管艾勒（Louis Ehlert）形容《Ｆ大调夜曲》的一开头，左手装饰性的三连音，像是肖邦用柔软的蝴蝶翅膀刷出来的主题，但从２５小节以后，感情却如洪水般毫无节制地涌出，其中还闪耀着银色的月光。肖邦夜曲的发展，似乎从这首《Ｆ大调夜曲》开始，有了一个极为明显的转变，他已完全从费尔德夜曲的风格中跳脱出来，怀念故土的热情、对革命动乱的悲愤，以及他本人高贵优雅而又忧郁犹疑的气质，都毫无掩饰地融汇成戏剧性的乐章。
在最著名的第五号《升Ｆ大调夜曲》中，我们甚至可以听见静夜里孤独浪人思念家乡与亲人的情景，第１８小节的落漠之情，第２５小节至３５小节的内心波涛滚滚，再一次说明了肖邦离乡背井的孤寂，祖国的灾难、与亲人离散的痛苦所产生的悲剧性风格转变。第六号《g小调夜曲》，从６８小节开始的戏剧*，则是一个明显的例证。
作品Op.27之一的《升c小调夜曲》，克列金斯基（Jean Kleczynski）认为：“那是在描写平静的威尼斯之夜，在恐怖的谋杀景象之后，海水淹没了尸体，但依旧一平如静地反映着月光。”或许，他在左手波浪般起伏的伴奏，和主题旋律的不和谐音中，发现了充满悬疑的描写性格，才产生了如此的联想。芬克（Henry T.Finck）则对此曲推崇备至，他说：“在这四页乐谱中所包含的巨大情绪变化，以及天才般的戏剧精神，比许多400页乐谱的歌剧更丰富而强烈。英国一位管风琴家威尔拜（Charles Willeby）则说：“如果以简单性（Simplicity）作为判断艺术的因素，我们再也找不到比它境界更高的艺术作品了。”根据美学中“饱沃原则”，也就是创作应以最简单的素材，表现最丰富的精神内涵，那么这首《升c小调夜曲》无疑是旷世精品。
另一首第八号《降Ｄ大调夜曲》，虽是同一时期作品，却展现出完全不同的面貌。它从头到尾只有一个主题，但左手的伴奏和右手的主题旋律，却构成一个奇妙的甜蜜夏日二重唱歌声，主题重复出现三次，由弱到极弱，然后再到强，构成一种引人入胜的情绪起伏。
作品编号Ｏp.32的两首夜曲，似乎又从强烈的描写和戏剧性格，返回到费尔德风格。其中《Ｂ大调夜曲》，无法预期的几句长度、开放结尾和缺乏反复的自由形式，和那相当戏剧化的结尾，却给人不落俗套的清新感受。第十号《降Ａ大调夜曲》，优美的旋律加上圆舞曲般的节奏，后来被芭蕾舞剧《仙女》（les Sylphides）采用，而改编为管弦乐曲。
1838年冬天，肖邦病情恶化，医生建议他到南方去休养，于是乔治桑决定随肖邦到地中海的西班牙领地－－马约加岛（Majorca）避寒。11月19日，肖邦在写给冯坦那的信中说：“天空像绿松石，海洋像碧琉璃，山岗像翡翠，空气像天堂。太阳整天热焰当空，每个人都穿着夏天的衣服，入夜吉他歌声不断。……总之，这真是爽快生活！”
作品编号Op.37的两首夜曲，便是在这风景宜人的马约加岛上完成。当然许多人都想知道，马约加岛上的温暖海风是否会吹散肖邦内心郁结的忧伤。首先《g小调夜曲》速度缓慢，给人举步维艰的沉重感，但肖邦学生顾特曼（Adolph Gutmann）认为，肖邦在这首乐曲中，忘记加上渐快速度记号。不过另一首《Ｇ大调夜曲》却美得使人不敢正视。卡拉索夫斯基（Mority Karasowski）就认为，从29小节开始的第二主题，是肖邦所写过的最美的旋律。
舒曼对作品三十七的看法：“这两首夜曲与早期作品最大的不同之处，在它的装饰音更简洁而表现更优雅。我们知道肖邦一生钟爱闪耀的星星，金光耀眼的宝物珠玉。尽管他已经改变和成长，他仍喜爱装饰，但那是深思远虑的一种装饰音。因为在所有的装饰音背后，闪耀着一种诗情的高贵。的确，品味超卓必属肖邦。”
在舒曼的深刻剖析下，我们可以发现，经过马约加岛大自然风光的洗礼，使得肖邦的夜曲又发展到一番新的境界，一种更纯净的诗意的夜曲。
由于生活的不便，肖邦一行于1839年02月13日离开马约加岛，返抵法国。又因乔治桑的家诺安（Nohant）气候较适合肖邦，所以往后的七年，肖邦都安居在诺安，作品Op.48、Op.55、Op.66这六首夜曲都是在诺安的单纯起居生活中完成的。
克列金斯基曾称OP.37《g小调夜曲》为“思乡病”（homesickness），其实在诺安所创作的六首夜曲，多少有心理忧郁加上身体衰弱的阴影。而在缓慢的乐曲进行中，肖邦早年的青春气息不复出现，灿烂的光辉也逐渐褪色。Op.55之一中的“失望的哭泣”（克列金斯基的形容），谱出人生的无限悲情。Op.62之一则是带有病态香味的“月下香夜曲”，旋律悄悄爬上音符的花架。此时，病魔缠身的肖邦，似乎随时在听候死神的召唤。洪奈克（Huneke）说得好：“肖邦编织着他生命的夜曲，直到死亡之日。”确实，我们在肖邦生命中最后的四首夜曲（Op.55和Op.62）中听到最美丽而安详的死亡之歌。
由1827年至1846年这段肖邦创作的黄金时代，他留下了２１首黄金般的夜曲。这些夜曲的风格转变，也恰巧反映出他百般波折的生命历程。虽然Op.09的三首夜曲中，已表现出不同于费尔德的戏剧性华丽风格；但由Op.15和Op.27这五首夜曲中，似乎在祖国山河变色、生灵涂炭的刺痛下，都迸发出无法遏止的悲剧激情。1838然后，的病魔的折磨和马约岛的风情的刺激下，悲剧性的激情化解为纯净的诗意。在诺安的最后六首夜曲，肖邦近乎病态的美感，谱出美丽的生命终曲。然而，风格尽管在转变着，贯穿在２１首夜曲中的高贵气质却始终如一。或许，那旷世奇才所独有灵气，才是创造永恒的原因。
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《卡门》的选曲这里已经第三段了，关于歌剧，前边的《卡门组曲》《卡门哈巴涅拉舞曲》的部分有比较具体的介绍，这里不赘言了。
十九世纪法国著名的作家和学者梅里美（1803～1870）的同名小说改编的。梅里美是著名的剧作家、小说家、历史学家和考古学家。他的作品有收集出版的剧本集《克拉拉·加苏尔戏剧集》（包括五个剧本）和历史剧 《雅克团》，有长篇小说《查理九世的轶事》和中、短篇小说《马特奥·法尔哥内》、《攻占棱堡》、《塔曼果》、《高龙巴》、《嘉尔曼》、《伊尔的美神》等。此外，还有游记《航海札记》和历史学、考古学方面的论著
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卡门，斗牛士舞曲（斗牛士之歌），点击下载 （中文唱词）
来谈谈这三段都与斗牛士有关、旋律类似的乐曲，《卡门序曲》《斗牛士之歌》《斗牛士进行曲》，其三者区别见下：
《卡门序曲》管弦乐曲。法国作曲家比才于1874年创作的歌剧《卡门》中的前奏曲，是该歌剧中最著名的器乐段落，常单独演奏。一般的歌剧序曲都是用交响方式缩写或提示歌剧内容，这首序曲结构简单，仅仅描写了欢乐气氛和剧中次要人物斗牛士的英勇形象。
《斗牛士进行曲》开始呈示的快板主题选自歌剧第四幕斗牛士上场时的音乐，生气勃勃、充满活力，表现了斗牛士英武潇洒的形象和斗牛场内兴奋活跃的气氛。由于它带有进行曲特点，故又称《斗牛士进行曲》。
接下来乐曲从A大调转为F大调，出现第二幕中《斗牛士之歌》的副歌音调，具有凯旋进行曲特点，坚定有力的节奏和威武雄壮的曲调表现了斗牛士的飒爽英姿。反复时提高八度，使情绪显得更为高昂。之后再现第一部分主题。结束部分出现卡门的音乐动机，带有不祥的气氛，在弦乐有力的震音背景下，以大提琴为主的乐器奏曲悲剧性主题，暗示悲剧性的结局，最后在强烈的不和协音响中结束。
- b小调 华尔兹舞曲 作品69
- 04:19
- 播客：老猫猫
b小调 华尔兹舞曲 69号作品 - 肖邦
这首曲子没有太多资料，只是一小段描述经人来回转载，没什么贴来的价值。这段油画风格的古典乐动画短片曾在电视中播放过很多次，相信很多朋友已经看过了，就当重温吧 : )
很喜欢片子的氛围，马车奔跑在秋日的乡间小路上，爽然而哀伤，伴着肖邦潺潺流淌的琴声，满载心事。昔日的恋人，流变的风景，时过境迁，物是人非……马车依然继续着它的旅程，挥鞭，驶往地平线的方向。
也许那个在窗外凝结又消逝的靓影，正是美丽的乔治桑吧……
前奏曲源于十五、十六世纪，最初是一种为风琴、诗琴而作的即兴小品。到了十七、十八世纪，它发展成教会颂歌、赋格（复调音乐的一种）、组曲等器乐作品的引子。德国作曲家巴赫为赋格音乐所写的前奏曲，是这一时期前奏曲的代表作品。十九世纪，随着浪漫主义音乐的兴起，前奏曲的性质发生了变化。它逐渐发展成为独立的器乐形式，它的音乐也充满了浪漫的色彩和幻想的风格。肖邦是浪漫主义钢琴前奏曲的创始人，他所创作的二十四首前奏曲，在整个浪漫主义音乐中产生重要的影响。肖邦的前奏曲虽然篇幅短小，但形象鲜明、含意深刻。每一首前奏曲都被后人添上标题。虽然这些标题有牵强附会的一面，但从作品的音乐形象来看，也有几分道理。比如：流行甚广的《雨滴》前奏曲，它始终反复着一个单音，并伴随着单调的节奏，的确有雨水滴答之感。
这首前奏曲，创作于一八三八年。当时肖邦正在地中海马尔岛疗养。关于这首前奏曲的创作，有这样一段传闻：一八三八年，活跃在巴黎乐坛上的肖邦，由于肺病的恶化，经女友乔治·桑的安排，千里迢迢地来到四季如春的地中海马尔岛。由于肖邦“的病情和乔治. 桑的衣着打扮，使他们在租房问题上发生了困难。后来经乔治·桑四处奔走，勉强借到一座山殿之中的古老寺院。寺院中不但毫无设备，而且漏雨，简直不能住人。因为寺院十分寒冷，买东西也很不方便，所以，肖邦的养病得到了相反的效果。有一天，乔治·桑上街买东西，恰巧下了大雨，迟迟不能回来。肖邦躺在家里即寂寞又惧怕。正在这时候，房间又漏雨，滴滴答答令人心烦。肖邦在不耐烦之中，起身写作，一口气完成了这首著名的前奏曲。
肖邦在这首前奏曲中，形象化地使用了一个固定的单音，它伴以单调的节奏型，好象是对有节奏的雨滴声的描绘。这首前奏曲的音乐形象虽然比较单一，但它仍然有许多细腻的变化。乐曲的开始部分十分抒情，歌唱性的旋律伴随着悠悠自如的“雨滴”声，仿佛是从朦胧的雨中传来的田园牧歌:
这段“牧歌”的情绪也微微地起伏变化。开始是沉醉在大自然的的悠闲，慢慢地变得有些激动，好象是作者对大自然发出的感叹：
中间部分是一个非常奇特的段落，它把人们引进神秘的境界。低声部缓缓行进的旋律伴随着单调而神奇的“雨滴”音型，显得十分深沉、威严。有人把这段音乐看作是一幅富有浪漫气息的图画：夜间，一列人群在庄严而阴郁的众赞歌中神秘地缓步而行:
中间部分的音乐形象也不是一成不变的，在庄严的众赞歌中，夹杂着各种情绪变化。第一个对比的形象，是出现在十二小节的众赞歌以后，低声部的八度双音，在五度的跳进中起伏，加上很强的力度，使这一部分的音乐形象显得十分强烈、鲜明：
中间部分的第二个对比形象，是在它的末尾。这是一段十分抒情的音乐，优美的旋律和歌唱性的低音线条综合在中声部隐约可见的“雨滴”声中，显得十分静谧：
前奏曲的再现部分比较简练，它只再现了一个乐句。但它的尾声比较完整，并且意味深长：音乐渐渐远去，“雨滴”声慢慢消失，留给人们的是无比丰富的想象。
著名女钢琴家阿格里奇弹奏的肖邦前奏曲一向受到很高的评价，其演奏风格充满着理性的诗意，听起来完全没有女性的阴柔，这令人不由自主想到乔治·桑——这位思想激进的女作家，以行为和思维方式颇为“男性化”而著称，她的作品也是理性与感性相交织。于两位女性之间，肖邦的前奏曲在浪漫中诞生，在诗意中延续……
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比才的卡门组曲
提起比才，人们不能不想到歌剧《卡门》；而听了《卡门》，人们又不能不提到比才。一位作曲家的名字几乎成了他的名篇佳作的同义语，这在音乐发展史上，并不多见。
十九世纪下半叶，法国艺术界充斥着统治者奢华享受的低级趣味。一些嘲讽时弊的轻歌剧和描写平民生活的抒情歌剧，为这种窒息的空气带来一股清新气息。
但是，真正冲破这种局面的，还是比才的歌剧《卡门》。作曲家以鲜明的民主倾向，强烈的现实主义精神，为法国歌剧开辟了一条新路，也在世界乐坛上赢得了卓著的声誉。
这部歌剧根据法国作家梅里美的同名小说改编。表现了一位美丽、刚强的吉普赛姑娘卡门的爱情悲剧。卡门先爱上了军官唐•霍塞。年轻军官因放走被拘禁的情人而从军队中被逐，他离开军队加入吉普赛人的贩私行列。这时，卡门又爱上了斗牛士埃斯卡米拉。愤怒的军官找到了卡门，但倔强的吉普赛姑娘拒绝了他的求爱。为了爱情的自由，卡门死在唐•霍塞剑下。
在歌剧中，比才以多彩的音乐语言，刻画了卡门热情直率、追求自由的精神境界，以及她的不受约束、粗矿豪放的性格特征。歌剧中宏大的群众场面，浓郁的西班牙民间色彩，以及激烈的戏剧性冲突，使歌剧具有震撼人心的现实主义艺术魅力。
歌剧《卡门》写于1872年，首演于1875年。这部歌剧有精彩的声乐篇章，而那些极富色彩的管弦段落也常苦革于交响音乐舞台上。《卡门》组曲不是由作曲家或友人编选的。现在通行的《卡门》组曲，大都由指挥家选择或编配的。因此，在曲目内容安排以及数量上，均有不同。但《卡门》组曲一般都包括歌剧中的著名管弦段落，或编配歌剧中的某些重要主题。下面所列，为一组演奏中常用的曲目。
1．“斗牛士们”。
管弦乐队雄浑有力地奏出欢乐豪迈的西班牙风格的进行曲。这是歌剧第四幕斗牛士入场时所奏的高昂乐曲。在歌剧序曲中，比才也运用了这个辉煌雄健的主题：接着，管弦乐以坚毅的步伐引来了著名的“斗牛士之歌”。在歌剧第二幕喧闹的小酒店里，斗牛士埃斯卡米拉为g谢欢迎和崇拜他的人们，唱出这支“斗牛士之歌”。
这首歌，音调雄壮，节奏有力，刻画出在斗牛场和情场上获胜者踌躇满志的形象。以这首著名歌曲旋律编写的管弦乐曲，通俗易懂，流传甚广。
轻快潇洒的旋律，由弱而强，汇到斗牛士的集体行列之中。乐曲在欢呼斗牛士入场的高昂气氛中结束。
2．“前奏曲”。
在歌剧中，此才以一个简洁的音调，刻画了卡门的强悍的个性和悲剧的命运。这个音调运明富于吉普赛特点的增二度青型，造成浓重深沉的气氛，勾勒出卡门粗矿的性格线条；然后，又以凄婉的叹息与管弦的低沉呼应相融，为卡门的命运笼罩上一层阴影。在歌剧中，这个音调作为卡门的主题动机而贯穿始终。3．“阿拉贡舞曲”。这是歌剧第三幕和第四幕的问奏曲。阿拉贡舞曲是流行于西班牙东部的一种民间舞曲：
欢快热情的曲调由管弦乐队全奏而出。明亮的铃鼓轻盈地伴合着三拍子的舞曲节奏，使音乐洋溢着活跃气氛。一接着，在弦乐拨弦及竖琴伴奏下，双簧管唱出忧郁的旋律。在音乐逐渐走向辉煌的*后，又转入悲剧的沉闷气氛之中。在平静的声浪里，乐曲结束。
4．“问奏曲——山中之夜”
在歌剧《卡门》第二幕与第三幕之间，有一段精致动人的问奏曲。人们因其宁静安适的气氛而称之为“山中之夜”。
竖琴犹如山涧溪水徐缓涌来。明亮的长笛奏出柔美的旋律，它以细微的笔触勾画出大自然的安监意境，为幕启之后的山中之夜增添了神秘的色彩。它那清亮的色调又同充满戏剧冲突的剧情形成强烈的对比：
有人责备说，在《卡门》中出现这段乐曲毫无戏剧根据。而其他评论家则表示赞许，因为它给人们带来了一个短暂的休想，使愈益阴沉的悲剧气氛得到缓冲。
5．“走私者之歌”。
圆号长音和弦乐顿音交汇出阴暗的气氛。木管乐反复奏出一支单调的进行风曲调，描写了走私者迈着不安步伐潜入山道的情景。行进中，不时有焦虑、混乱的阴云笼罩而来……
在低声部，中提琴和大提琴奏出走私者神秘的脚步声。他们缓慢而警觉的行进，情绪愈益紧张。在一系列下行半音中，人们听到他们急切的呼叫：“要留神，不要跌倒丢性命。”
6．“塞吉迪亚舞曲”。
在歌剧第一幕中，卡门向着年轻军官唐•霍塞边唱边舞。这个热情的舞蹈，就是西班牙民间舞曲“塞吉迪亚”。
在这个快速的三拍子舞蹈中，作曲家用色彩浓烈的音调，变幻急剧的节奏，表现出吉普赛姑娘卡门大胆爱恋年轻军官的火热情怀。7．“阿尔卡拉的龙骑兵”。这是年轻军官唐•霍塞演唱的一首近似舞曲的轻快歌曲。
这首略带诙谐色彩的短曲，描写了龙骑兵骄矜轻狂的情态。
8．“哈巴涅拉”。
十九世纪末叶，在古巴兴起一种从非洲传入的乐曲。这种中速的二拍子舞曲，旋律中包含有附点节奏和三连音型。这种叫作“哈巴涅拉”的舞曲，后来传入西班牙，并从民间走到作曲家的乐曲中。
“爱情象一个自由的鸟儿，谁也不能够驯服它，没有人能够捉住它，要拒绝你就没有办法。威助没有用，祈求也不行……”
歌剧中，女主角演唱的著名歌曲《爱情象一支自由乌》、就是以哈巴涅拉舞曲形式写成的：
半音下行的轻俏音调，表现出泼辣的卡门，用诱人的语调捉弄在场的士兵。后来，音乐转入大调，开朗豪爽的旋律，刻倒出吉普赛姑娘向往自由的宽阔胸怀和热情性格。
9．“儿童合唱”。
响亮的号角，尖锐的短笛，以及灿烂闪光的三角铁一明亮的乐器色彩，与天真的孩子们的一支活泼歌曲交融，在歌剧舞台上焕发出明朗喜悦的气氛。10．“吉普赛舞曲”
歌剧第二幕幕启，一群吉普赛姑娘弹着吉它跳舞，卡门唱出了一首热情的歌。改编的管弦乐，轻快而富于节奏感。明快的顿音和流泻的十六分音符交织出火热的舞蹈气氛。卡门满蕴热情的主旋律，在铃鼓的伴奏下，反复奏出，并与舞蹈音调汇合，将音乐推向*。
在歌剧《卡门》首演之后三个月，比才就不幸去世。但他的遗作，无论在歌剧舞台上，还是在交响音乐舞台上，就愈益显示出顽强的艺术生命力，至今仍成为人们最欢迎的曲目之一。《卡门》的音乐还为各种不同形式的创作，提供了广阔的发展与再创作的天地。
圣母颂（*e Maria ） - 舒伯特
《圣母颂》，1825年舒伯特采用英国历史小说家瓦尔特·司各特所作长诗《湖上美人》中的《爱伦之歌》谱写而成的艺术歌曲，是舒伯特的代表作。
歌曲在分解和弦的伴奏下以平稳的旋律为起点，通过浪漫主义音乐常用的种种手法，描绘了一个纯洁的少女真诚地祈求圣母玛利亚赐予心灵抚慰的情景（片段1）。同时，我们还可以从这首小曲里，感受到作者在坎坷的人生道路上所体验到的痛苦和哀怨、幸福和希望。这里选用的是意大利著名男高音帕瓦罗蒂演唱的片段。此外，这首歌曲常被改编为器乐曲，其中由小提琴独奏或由弦乐演奏主旋律，由竖琴演奏伴奏部分的谱本流行较广。
舒伯特 Franz Schubert [1797.1.13-1828.11.19] 奥地利作曲家。自幼从父、兄学习小提琴和钢琴，1808年成为维也纳皇家教堂唱诗班歌童，同时在学生乐队演奏小提琴，并学习作曲。在此已作有歌曲、重奏曲、钢琴曲和交响曲。1813年起，在学校任助理教师，并从事作曲。仅1815一年内就创作了250余首歌曲。1818-1824年任宫廷音乐教师。去世时还不满32岁。
舒伯特是德国近代艺术歌曲的创始人。所作的600多首歌曲显示出卓越超群的曲调写作能力。曲调朴素自然，和声新颖，大小调交替，充满戏剧性。在自然音体系和声基础上巧妙运用变化音；钢琴伴奏风格多样，他把和声、伴奏提高到与诗歌同等重要的地位。在诗与歌之间建立均衡的关系。他的交响曲均采用古典曲式，曲调抒情、和声独特、色彩巧妙，表现出浪漫风格特征。
他的主要作品有：交响曲9首、序曲7首、小提琴协奏曲、回旋曲、弦乐四重奏15首、弦乐五重奏、弦乐三重奏、钢琴五重奏、钢琴三重奏3首、小提琴奏鸣曲、钢琴奏鸣曲21首、即兴曲11首、圆舞曲20首、进行曲9首、幻想曲、嬉游曲、歌剧、轻歌剧、康塔塔、声乐套曲等。
圣母颂歌词：
*e maria gratia plena
Maria gratia plena
Maria gratia plena
*e, ave dominus
Dominus te***
Benedicta tu in mulieribus
Et benedictus
Et benedictus frutus ventris
Ventris tui jesus
*e maria
*e maria mater dei
Ora pro nobis pecatoribus
Ora, ora pro nobis
Ora ora pro nobis pecatoribus
Nunc et in hora mortis
In hora mortis nostrae
In hora mortis, mortis nostrae
In hora mortis nostrae
*e maria
参考译本：
<<圣母颂>> W.司各特 作词 舒伯特作曲 廖晓帆 译配
呵,圣玛丽亚!温柔的母亲!请你听一位少女恳求;从这荒凉的岩石上,我的祈祷飞向你的身旁;我安睡到那明天早晨,不管那人们怎样残忍.呵,圣母,请看少女的哀愁,呵,母亲,请听少女祈求!呵,圣玛丽亚!
呵,圣玛丽亚!圣洁的母亲!当我们在岩石上沉睡,有你来保护我们,硬的岩石也会变得柔软;在梦里我看见你微笑,我彷佛闻到玫瑰芳香.呵,圣母,我要向你倾诉我一片赤诚的少女的心!呵,圣玛丽亚!
呵,圣玛丽亚!纯洁的母亲!世上的一切鬼怪妖精,被你赶得无踪影,我们再也不会受到欺凌;我们都甘愿屈从命运,因为你会亲切地爱抚我们.呵,圣母,我虔诚地恳请,呵,母亲,愿你永爱我们!呵,圣玛丽亚!
(袖珍本 P233)
圣母颂（舒伯特），点击下载
《在山魔的宫中》
这是一段奇幻性场面的音乐，培尔-金特在山林中，夜晚被一些魔鬼包围，起初魔鬼们款待他，随后又捉弄他，对他进行恶作剧，直至黎明始散。音乐具有阴沉、怪诞的性质。低音弦乐器的拨弦声好像山魔笨重的舞步。基本主题的不断反复，使人想到魔鬼们单调而怪异的舞姿。
舞曲体裁与进行曲结合的乐章
A主题 在圆号阴森的阻塞音中大提琴拨奏出阴沉怪诞的旋律。
A1 由小提琴拨奏主题，没有作更多对比，只是音色在配器上作了变化。
A2 弦乐有力地奏出主题旋律，整个乐队掀起了热情的情绪，乐曲达到了*。
尾声 随着力度的逐渐加强，音阶式的音调向上进行，定音鼓的震奏声把乐曲推向紧张强烈的音响声中结束。
诗剧《培尔·金特》
《培尔·金特》是挪威著名剧作家易卜生于1874年创作的。该剧以挪威古代传说中的人物培尔·金特为主人公，用象征性的手法表现了富有冒险精神的挪威人的性格，以高度的哲理性表现了社会中追求权力和金钱的丑恶现象。全剧共五幕。
第一幕：挪威的山村，母亲奥塞和儿子培尔·金特正在争吵。培尔自幼丧父，与母亲相依为命，但是，父亲遗留给他的懒惰，加上痴心妄想，村里人都嫌弃他。奥塞苦口婆心地劝戒，培尔只当作耳旁风。口出狂言，“我要当国王”、“我要当皇帝”，任性地到处游荡。不料，纯洁的少女索尔维格却同情他。有一天，他参加村中的婚礼，劫持了别人的新娘英格丽特，逃进山中。
第二幕：培尔把英格丽特隐匿在山中，但他很快就厌倦了。他把英格丽特独自抛下，仍在山里徘徊。忽然，一位绿衣少女呼唤他，他立刻向少女表示亲近，他被少女带进魔王王宫，魔王逼他和少女结婚。魔王说：你如果与我的女儿结婚，我就将半个王国给你，并且在我死后继承王位。培尔开始有些动心，但他听说加入魔王一伙就再也不能变人，他拒绝了。魔王大怒，命令手下妖魔杀培尔。这时，忽然传来远方教堂的钟声，魔王的宫殿崩塌，培尔获救。
第三幕：培尔从山里归来，在林中建起小屋，和索尔维格同居。心地纯洁的索尔维格的爱情深深地感动了他的心。但是，绿衣少女带着培尔的孩子出现，干扰他俩的生活。培尔不胜其烦，逃到母亲的小屋里去。母亲奥塞孤零零地等待儿子归来，她已重病在身奄奄一息了。她看见儿子归来，法然长逝。失去母亲的培尔冒险出海去寻觅富贵。
第四幕：辗转各地终于成为巨富的培尔来到摩洛哥海岸。善良的培尔被骗子欺骗，不久就一贫如洗了。但是，培尔并未因此气馁，他冒充先知，深入阿拉伯内地，又富起来。但是，被贝德汶首长邀请参加酒宴的培尔被酋长女儿阿尼特拉的美色所迷，又把金钱散尽。他想起了远在故乡等待他归来的索尔维格。后来，他前往埃及，被送进精神病院，被疯子们迎为皇帝，他幼时的梦想具有讽刺意味地在这里实现了。
第五幕：后来，培尔经过无数周折来到美洲新大陆，挖掘金矿，又成为大富翁。年迈的培尔思念故国，用船装载着无数的财宝踏上归途。不料，在他登上挪威陆地之前，暴风雨打沉了他的船，他的财宝也沉入海底，他又一文不名了。最后，他找到索尔维格居住的小屋，已经白发苍苍的索尔维格还在等待着他。索尔维格原谅了培尔过去的一切，培尔紧紧拥抱着她叫道：“你的爱拯救了我，”泣不成声。老态龙钟，对人生已经倦怠了的培尔枕在索尔维格的膝上，听着她歌唱摇篮曲，迎来了死神。
格里格
格里格(Grie 1843一1907)，挪威作曲家、钢琴家，挪威民族乐派的奠基人。出生于职员家庭，6岁随母学习钢琴，9岁尝试作曲，15岁进入门德尔松创办的莱比锡音乐学院学习钢琴和作曲。毕业回国后，他深深植根于挪威民族、民间音乐之中，及吮丰富的营养，专门进行挪威的民族音乐研究，并取得很大的成绩。31岁时，挪威政府给他颁发终生年金，鼓励他进行专业创作，在此期间，他还得到了匈牙利作曲家李斯特的赞赏，使他在世界上的名声大振，33岁时被授予英国的名誉博土。60岁生日时，全挪威及至世界许多地方都举行了庆祝活动。1907年因心脏病突发逝世于故乡卑尔根，享年64岁，挪威政府为他举行了国葬，遵照他生前的遗愿，国葬时演奏了他1866年为挪威国歌的作者，著名的挪威青年作曲家诺尔德拉夭折时所写的《送葬曲》，骨灰盒安放在面向挪威国土的悬涯洞穴中。
格里格是十九世纪斯堪地纳维亚地区最知名的作曲家。是第一个把朴素的挪威民族民间音乐予以加工整理，提高了其艺术性,搬上了艺术舞台的人。他的音乐具有浓郁的挪威民间气质，作品小巧玲珑，**出诗一般的抒情性和柔媚的自然美。他在创作上那种不受任何限制的思想和他运用的那些富有特征的调式、旋律与和声，很大程度上影响着其他后来的作曲家。他创作的《培尔·金特》组曲，十首《钢琴抒情小品》，两首《挪威舞曲》，四首乐队使用的《交响舞曲》和一些其他作品，飘洋过海,深入到世界各国的音乐会之中。
《培尔·金特》第一组曲
《培尔·金特》完成于1875年夏，格里格为全剧一共创作了23曲配乐。1888年他又从这23段音乐中选出了八段，编写成两组供演奏用的组曲——《培尔·金特》第一组曲和《培尔·金特》第二组曲。这两部组曲不仅是格里格的代表作，而且也是世界管弦乐中的杰作。
第一组曲由《晨景》、《奥塞之死》、《阿尼特拉舞曲》和《在山魔的宫中》组成，音乐的配列非常巧妙而又十分和谐。
第一乐章《晨景》：它原是诗剧第四幕培尔·金特流浪到非洲摩洛哥时开始的音乐。它描绘了清晨日出，百鸟争鸣，田野里响起牧笛声的景象，就像是一幅清秀的水彩画。描写了摩洛哥海岸的清晨。描写了摩洛哥海岸的清晨。乐曲用了一个美丽的牧歌主题写成。
第二乐章《奥塞之死》：是第三幕母亲奥塞死时的配乐，描绘奥赛因儿子出走，自己积劳成疾，在临终前的悲哀心绪。这首乐曲用丧礼进行曲体裁写成。可以称为古今葬礼音乐中的杰作。加弱音器的弦乐器奏出忧郁、凄凉、肃穆的气氛。
第三乐章《阿尼特拉舞曲》：乐曲是第四幕中阿尼特拉诱惑培尔的场面配乐，音乐只用弦乐器和三角铁，巧妙地表现出诱惑的力量。格里格的非凡的配器法令人惊叹。
第四乐章《在山魔的宫中》：这一段原是诗剧第二幕里，培尔·金特误入德沃瑞山魔宫中，一群魔鬼围着他跳的一段恐怖舞蹈的伴奏音乐。
乐曲以变奏手法加以发展形成。其主题先由低音乐器呈现，音乐由慢渐块、由弱渐强，最后音乐用fff的强力度和疯狂的速度结束全曲。
骷髅之舞 - 圣桑
交响诗《骷髅之舞》 又名《死之舞》，作品完成于1874年，1875年在巴黎首次上演，是作者所作的四部交响诗中最负盛名的作品。乐曲是根据法国诗人亨利· 扎里斯的一首奇怪的诗写成。
乐曲旋律采用了中世纪末日审判的圣咏《愤怒的日子》的曲调，给人以阴阳怪气的感觉。起初音很弱，逐渐发展到全奏，好象聚集到墓场上的骷髅越来越多，舞跳得越来越热烈。木琴的干枯音色，描写了骷髅在跳舞中的互相碰撞声。乐曲根据诗的内容，从半夜的钟响开始，先用竖琴在D音上反复了十二次，表明半夜零点的到来。突然，独奏小提琴奏出圆舞曲的节奏，描写死神的骷髅互相击碰着出现了。作品要求小提琴用特殊的调弦，形象地刻画出骸骨的击碰声。接着由长笛以弱音奏出富有特征的主题，小提琴奏出坟墓的主题，也就是第二主题，描绘出深夜墓地寂静和恐怖的气氛（片段1）。整部作品具有神秘、恐怖的特色。
骷髅之舞，点击下载 （上篇《天鹅》也附有《骷》的下载）
浪漫主义音乐（Romantical Music）亦有“浪漫乐派”或“浪漫派音乐”之称。浪漫主义一词原指有罗曼语所写的故事，进而指欧洲中世纪那些情节离奇，富于幻想，易于激起读者感情的骑士传奇，以至后来的传奇小说等。欧洲文学史家用这一名词来称呼于十八世纪末开始盛行的文艺思潮和文艺流派，其内容大多表现了理想与现实之间的深刻矛盾，并通过生与死、孤独与爱情、热爱大自然等抒情题材，表达出知识分子阶层对现实生活的不满，以及对自由、幸福的向往和渴求。
音乐上的浪漫乐派是指十九世纪二十年代到二十世纪初的一批欧洲作曲家和他们的艺术创作，在这一历史时期，音乐创作开始向多元化发展，作曲家们在人文主义思潮的带动下崇尚个性，偏重于幻想的题材与着重抒发主观的内心感受，杰出的作曲家层出不穷，佳作亦不断涌现，本节目收录的均是这一历史时期音乐创作的典藏之作。
本节目隶属于《古典音乐动漫系列》，该系列节目是由欧洲一个富于活力、勇于创新的艺术家群体创意完成的。他们以动画为主体，同时亦采用美术传统技法、流派并结合雕塑、摄像、高科技多媒体等多种艺术手法，为古典音乐中各个历史时期的一些具有代表性的音乐作品编配精美画面，帮助人们在视觉上更加直接而轻松愉悦地去理解，认识古典音乐，这种独特的艺术形式一经推出，立刻在欧洲引起轰动，多家电视台竞相热播，并在短短几年内风靡全球，在世界范围内产生影响，本套节目在中国为首次引进出版。
目录
01、 升C小调 幻想即兴曲 作品66 -肖邦 Chopin
02、 天鹅 - 圣桑
03、 a小调华尔兹舞曲 - 肖邦 Chopin
04、 卡门 哈巴涅拉舞曲 - 比才 Bizet
05、 蓝色多瑙河（The Blue Danube） - 约翰施特劳斯 Johann Strauss
06、 前奏曲 - 肖邦 Chopin
07、 骷髅之舞 - 圣桑
08、 在山魔的宫中 - 格里格 Grie
09、 圣母颂 - 舒伯特 Franz Schubert
10、 卡门组曲 - 比才
11、 雨滴前奏曲 作品28 - 肖邦Chopin
12、 b小调 华尔兹舞曲 作品69 - 肖邦Chopin
13、 卡门 斗牛士舞曲 - 比才
14、 c小调 夜曲 作品48 - 肖邦Chopin
15、 古堡 - 莫杰斯特·彼得罗维奇·穆索尔斯基 Modest Musorgski
16、 梦幻 - 罗伯特·舒曼 Robert Schumann